Domenico Sepe sceglie di rappresentare la fisionomia di Gemito in età molto matura, mostrando di vedere in lui la figura del maestro, tanto più autorevole perchè connotata dagli attributi della barba e dei capelli fluenti che incorniciano il volto scavato dall’inesorabilità del tempo. E’ un’immagine che proietta il tormento individuale visibile nelle rughe profonde del viso in una dimensione quasi sacrale, che rinvia ad un autoritratto di Gemito del 1917 non a caso intitolato anche come Profeta[1].E’ così che Domenico Sepe interpreta il ruolo dello scultore, trasponendo il suo genio artistico in un universo che non soggiace più alle leggi della fisica. Sepe proietta la personalità di Gemito in una visione atemporale, che trascorre le epoche storiche, accomunando tutti i grandi talenti del passato e del presente per l’unica fonte d’ispirazione a cui essi guardano. Una fonte che non proviene dai territori della realtà concreta, ma è propaggine di un’energia cosmica primigenia, espressione del divino, che azzera le competizioni umane accogliendo nel suo grembo solo quelle anime che si aprono con desiderio inappagabile ad essa. E quel desiderio spesso lo trasformano in una furia creativa, che stenta ad essere contenuta nelle limitate realizzazioni umane, eppure trapela nelle opere d’arte nelle quali essa si manifesta. Le inquietudini che provengono dalla consapevolezza di alcuni animi sensibili, come fu quello di Gemito, degli impedimenti della tecnica umana ad esprimere l’incontenibile forza energetica proveniente da altri mondi sollecitano queste anime  ad una continua ricerca di un modello di perfezione ideale che sembra irraggiungibile e che le conduce ad un costante tentativo di perfezionamento formale. E così nasce l’ossessione di Vincenzo Gemito per il lavoro di cesello, proprio negli ultimi anni della sua vita, che conduce ad un lavorio continuo ed inarrestabile, al quale si unisce, sempre in quegli anni, la predilezione per materiali pregiati come l’oro e l’argento, in una trasformazione alchemica dai metalli pesanti alla ricerca della pietra filosofale. Nelle pupille sgranate di Gemito Sepe vede tutto questo, il lavorio della mente che non riesce a seguire i voli dell’anima e tormenta il corpo devastandolo con i segni di un disagio affrontato però con l’ardore del guerriero, che ha appena poggiato gli strumenti da lavoro per un attimo di sosta da quel continuo ed incessante tentativo di realizzare il desiderio mai appagato di avvicinarsi alla sua fonte d’ispirazione e di riuscire ad imprimerla nelle sue sculture. Con la mano destra scheletrica per i prolungati digiuni, forse dovuti proprio alla volontà di spiritualizzare il suo corpo, lo scultore tiene la spatola in legno con la quale ha appena finito di modellare la terracotta, lo stesso strumento che Sepe utilizza per i suoi lavori. Intento forse a guardare l’opera che sta creando, Gemito non appare soddisfatto del risultato ottenuto. Domenico Sepe interpreta in maniera estremamente realistica lo stato d’animo del suo maestro, spesso scontento delle proprie sculture proprio perchè in esse egli riusciva a rappresentare solo in maniera parziale  tutta la furia del suo animo, ispirata appunto  dall’incontenibile flusso energetico dell’arte, un flusso inspiegabile alle menti umane ma proveniente dall’unica fonte dalla quale tutti veniamo e che parla di armonia con il creato. Sepe vede in Gemito il creatore, che vive nello spazio  intermedio tra la realtà e le visionarie immagini di una dimensione spirituale irraggiungibile. Lo vede come un animo eletto, che tenta per tutta la vita di accostarsi a  quella dimensione, a rischio della propria sanità mentale. E così la follia di Gemito è solo il mancato riconoscimento, da parte della società civile, di questo suo ruolo, di questa investitura quasi divina, che per motivi imperscrutabili si manifesta solo alcune volte nella storia umana e spesso in talenti artistici che non vengono compresi dai loro simili e che piuttosto sono etichettati come ‘folli’, perchè la loro pecca è quella di non voler sottomettersi alle regole sociali, spinti da una forza incontenibile che li rende coraggiosi. Essi non temono di contrastare la società in cui vivono con i loro comportamenti considerati anomali anche perchè quella forza che li ispira non può essere ignorata nè contenuta. I ‘pazzi’ come Gemito o come Van Gogh diventano emarginati sociali, spesso poveri e talvolta temuti da coloro che li circondano e che non comprendono quegli animi così furiosi, nei quali si agita la forza dell’arte esplodendo in opere che non soddisfano i loro autori perchè rappresentano solo delle offuscate immagini di archetipi troppo impalpabili e lontani per essere catturati dalla mente umana. Tutta questa forza è presente nello scompigliato Gemito di Sepe che con la mano sinistra fende lo spazio inglobando il ‘non visibile’nella realtà che lo circonda. Una mano che ci parla di altri mondi, di idee fugaci immaginate e catturate a stento dall’animo dello scultore che le manifesta nelle sue opere, attraverso le quali suggerisce la presenza dell’universo inesplorato dello spirito, al di là di tutti i meravigliosi riferimenti alla realtà che esse pure rivelano. In quegli occhi che guardano ciò che gli altri non vedono, Sepe ha voluto esprimere l’unicità di quel talento, al di là dei riferimenti specifici e molto dettagliati alla  fisionomia del maestro, certamente ispirati agli autoritratti in bronzo del 1921[2]. E come non intravedere in quel volto anche le sembianze di  ‘Masto Ciccio’ che si nasconde nella Testa di filosofo del 1883 e che ci parla del solido impianto teorico dell’arte di Sepe, costruzione moderna che affonda le radici nel mondo antico, rivitalizzandolo e rinnovandolo alla luce del nuovo, ma mai dimenticandolo.

La potenza e l’ardore, ecco i caratteri che Domenico Sepe ha voluto manifestare nelle sembianze del suo maestro, al quale lo accomuna la stessa furia creativa, quell’identica sollecitazione energetica che proviene da un altrove misterioso responsabile dell’origine dell’umanità. Al di là della comunanza d’intenti nella realizzazione estetica Sepe si sente vicino a Gemito proprio perchè avverte la stessa incontenibile forza che lo spinge a creare e ad intrattenere un rapporto diretto con la materia, tuffandosi senza limiti nel mondo della terracotta e nel fuoco della fusione in bronzo, in una fucina che, come per il suo maestro, assorbe il momento temporale in una dimensione che accomuna l’autore alla creazione divina.

Nello scenario scultoreo partenopeo Domenico Sepe riesce a contraddistinguersi ed ad affermarsi grazie alla sua capacità di immortalare il tempo, le sensazioni e l’emotività umana attraverso le sue sculture. Ciò è possibile grazie alla sua dote di saper plasmare e lavorare la materia seguendo il flusso delle sue emozioni ma lasciandosi, allo stesso tempo, guidare da essa stessa verso la realizzazione finale dell’opera. La formazione ellenistica di Domenico Sepe gli ha permesso di apprendere dai grandi maestri l’amore verso quest’arte e di comprendere come scavare affondo nell’animo umano e come concretizzare tali sentimenti. Ma le sue conoscenze e studi non si fermano ai periodi classici, ma arrivano e spaziano fino alle avanguardie contemporanee. Nella lunga e complessa ricerca della propria strada e della tipologia di materia che meglio gli si addiceva, lo scultore partenopeo tramite l’utilizzo del bronzo è riuscito ad individuare l’elemento che meglio gli permetteva di esprimere la sua arte. La tecnica della fusione a cera persa del bronzo, consente a Sepe, di osservare come la materia si trasformi nelle diverse fasi, fino al raggiungimento dell’opera finale. Fondamentale per il concetto e per il messaggio che vuole esprimere è il vuoto che si crea nel momento in cui viene colato il bronzo fuso e si perde il bozzetto in cerca. Realizzare una scultura vuota all’interno vuol dire anche riempirla delle anime e delle sensazioni che ogni spettatore vive al cospetto di essa. È così che un’opera diventa immortale, poiché essa vivrà per sempre attraverso le emozioni e la gestualità che esprime. Da non sottovalutare l’inseparabile legame ed emotività che si va a creare tra l’artista e la sua creazione nel momento in cui viene realizzato il bozzetto in argilla cruda, poiché è in quel momento che si crea il legame indissolubile tra uomo e materia, tra le emozioni e la loro messa in opera. Questo perché lo scultore viene coinvolto in un processo quasi divino, in cui plasma con le mani la materia infondendola di emozioni e donandogli un’anima e un destino ben preciso.
Non a caso Domenico Sepe spesso decide di custodire e mettere in mostra i modelli in argilla cruda proprio per mostrare allo spettatore il momento in cui un’opera nasce e diventerà poi capolavoro. Spesso questi bozzetti risultano essere fragili e a volte presentano lesioni.
Nonostante questi elementi, che ad occhi meno attenti e superficiali possono risultare delle imperfezioni, essi fanno parte del processo stesso di realizzazione del manufatto e anche del suo tempo vita aggiungendo così ulteriore sentimento e trasporto alla creazione. Questo dimostra quanto la materia non sia eterna mentre, i sentimenti che da essa scaturiscono lo siano e, di come essi non siano mai statici ma in perenne evoluzione. La possibilità di realizzare una scultura in bronzo tramite la fusione a cera persa, come già è stato detto, permette di osservare le varie trasformazioni che la materia subisce e, a volte permette anche di comprendere che, quello che viene considerata come una fase intermedia, possa essere in realtà la vera natura dell’opera, questo è il caso di Pudore Svelato. La scultura nasce da un forte sentimento dell’artista partenopeo di denunciare quanto all’interno della società la figura femminile, il suo corpo e la sua anima vengano maltrattate. Come se tutti gli abusi che giornalmente vengono compiuti non avessero un peso o una ripercussione. Questo lo possiamo notare dal viso inclinato seminascosto dai capelli, da gli occhi socchiusi e l’espressione che oscilla tra il sofferente e l’arreso. Il busto è coperto e scoperto allo stesso tempo, mostrando i segni di un corpo che non ha ricevuto il rispetto che meritava. Ma fulcro fondamentale dell’opera è la scelta del materiale utilizzato, ovvero la cera. Domenico Sepe spesso racconta di come al termine della realizzazione del bozzetto abbia capito che il destino di essa era quello di rimanere in cera. Questo perché tale materiale ha permesso di dare alla scultura la dolcezza e la delicatezza tipiche dell’anima femminile, realizzarla quindi in bronzo avrebbe reso il tutto troppo rigido e “duro”, contrapponendosi completamente alla natura e all’anima dell’opera. Inoltre da non sottovalutare le cure e le attenzioni necessarie alla conservazione di un manufatto in cera, come la temperatura del luogo, evitare l’esposizione diretta alla luce e il maneggiarla il meno possibile. Ovviamente tali accortezze sono ben differenti dalla manutenzione di un’opera in bronzo, ed è proprio questa contrapposizione e differenza sostanziale che ha portato Sepe verso tale scelta, con l’augurio che con la stessa delicatezza e cura con cui si osserva e si salvaguarda la statua vengano trattate anche tutte le donne. Grande fonte di ispirazione per Domenico Sepe sono anche gli approfondimenti che svolge attraverso le opere del territorio partenopeo, che inevitabilmente influenzano e si manifestano all’interno delle sue sculture. È possibile notare ciò nell’opera Napoli Rivelata ispirata alla Maddalena del Compianto sul Cristo Morto di Guido Mazzoni del 1492. Lo studio che l’artista compie su quest’opera si concentra principalmente sull’espressività dei soggetti del Compianto, focalizzandosi sulla figura addolorata della Maddalena, che leggiadra, lancia un urlo tanto silenzioso quanto disperato che colpisce nel profondo e lascia un senso di inquietudine allo spettatore. Tale urlo di angoscia e disperazione Domenico riesce ad assimilarlo e farlo suo plasmandolo nella scultura bronzea Napoli Rivelata, dove decide di utilizzare tale dolore per raccontare Napoli sotto un’altra veste. In essa la città viene rappresenta come un’anziana donna segnata ormai dal tempo vissuto, colta nel momento in cui una folata di vento le colpisce il volto mentre lancia un grido di disperazione. L’impressione che l’osservatore percepisce è quella che il grido rappresentato possa quasi essere l’ultimo dell’anziana donna, tale sensazione è data dalla mano che essa stringe al petto. Il dolore e la disperazione rimangono impressi nella memoria dello spettatore grazie alla resa plastica del bronzo utilizzata per il viso, dal movimento del manto che le ricopre il capo e dei capelli che seguono la direzione in cui soffia il vento sferzante. Come si evince anche da quest’opera, il vento è un altro elemento centrale della produzione artistica di Domenico, con esso riesce a delineare sentimenti di dolore, forza e malinconia. È proprio grazie a quest’elemento che in Napoli Rivelata, lo scultore partenopeo, riesce a porre un’enfasi al sentimento viscerale di dolore. Inoltre il vento ci permette anche di notare, da parte di Sepe, l’avvicinarsi alla Procella di Raffaele Belliazzi, il quale per realizzare quest’opera si è ispirato alla Maria piangente di Niccolò dell’Arca, presente nella chiesa di Santa Maria della Vita a Bologna. Essa è avvolta in un panneggio gonfiato dal vento ed il viso è stravolto dal dolore. È possibile notare come lo studio di Sepe riesce ad unire e a far proprio i diversi elementi di questi artisti, infatti proprio come Niccolò dell’Arca l’elemento del vento è utilizzato come fattore caratterizzante dell’opera, così come l’espressività della Maddalena mentre, la plasticità del panneggio dato dal fenomeno fisico richiama la tecnica scultorea di Belliazzi. Il forte realismo che caratterizza le opere di Domenico Sepe si rifà anche alla corrente artistica realista che vede Napoli protagonista nella seconda metà dell’Ottocento. La scultura non rappresenta più solo il bello “classico”, ma è una rappresentazione dura e cruda della realtà. È in questo momento in cui la scultura si sopraeleva e fuoriesce dal suo status di arte minore. Come Achille d’Orsi si rifà alle opere di Ercolano e ai protagonisti del tessuto sociale a lui contemporanei, così Domenico trae la sua ispirazione dalle opere del Mazzoni, da d’Orsi stesso e dai cittadini della sua terra, per la brutalità della realtà con cui realizza i volti dei suoi personaggi. L’opera Proximus tuus di d’Orsi, in cui viene rappresentato un contadino affranto, suscitò un acceso dibattito politico sociale. Essa trova un parallelismo con l’opera di Sepe, Napoli Rivelata, in quanto quest’opera denuncia un tema politico sociale, ovvero la delusione da parte del popolo per l’abbandono della propria città.
In questo modo il realismo sociale di d’Orsi viene ripreso da Domenico nel tessuto contemporaneo.
Forse il segreto di Domenico Sepe è proprio questo, quello di riuscire a dare un’anima ad un involucro bronzeo cavo all’interno attraverso il suo realismo.

Ebbi il piacere di presentare un mio libro durante una mostra pubblica allestita da Domenico Sepe, della quale, tra tante opere, ammirai con sincero stupore il Cristo deposto, opera incanalata nel solco scavato dal sommo simbolo della scultura napoletana da oltre due secoli. Colsi un lirismo calibrato, ottenuto con un’idonea attenzione ai rilievi capace di conferire il trionfo dello spirito sulla materia del blocco sbalzato. Quella scultura, immagine sbozzata del destino e dell’eterna salvezza umana, esprimeva esattamente la passione del corpo deposto e coperto da un sudario, l’osmosi tra umano e divino.
Domenico Sepe ama velare, ma anche svelare.  Nel Cristo rivelato, il Messia si risveglia, muove il busto leggermente in avanti e tende la mano verso l’alto per liberare il suo volto e spogliarsi parzialmente della Sindone. Gioca, l’artista, tra meditazione e rivelazione, guardando a Giuseppe Sanmartino, ad Antonio Corradini, alle velate e ai virtuosismi tardo-barocchi, ma anche al classicismo di Fidia e al neoclassicismo di Canova, al più antico linguaggio della mitologia greca. Direi che si tratti di un artista “barocclassico”, singolare neologismo qui partorito che è ossimoro per definire un testimone di bellezza descrittiva a tutto tondo, sempre più rara ai nostri giorni. Domenico Sepe è volto a cogliere la più pura dimensione estetica della sacralità e della miticità, senza mai perdere il contatto con la realtà e la mondanità, e lo fa partendo dal patrimonio artistico esistente sul suo territorio. Napoli greco-romana, con la sua vivacità artistica, città del Cristo e della Sirena, del Sacro e del Mito, capitale del barocco e del neoclassicismo, nuova Atene e nuova Roma di fine Settecento, custode della collezione di antichità più importante d’Occidente, e poi la Magna Grecia, con il suo immenso patrimonio culturale ellenistico trasmesso prima alla Città Eterna e poi all’intera Europa, sono davvero inesauribile fonti per lui, slancio per affacciarsi sul mondo e sull’Universale, almeno quanto lo sono per la mia scrittura, e davvero mi è stato semplice coglierne e apprezzarne il percorso e l’espressione creativa. Ne ho conosciuto il lavoro e l’impegno nel suo laboratorio-bottega, ove ho apprezzato la straordinaria ricchezza di risorse plastiche e la sua orgogliosa identità artistica, il suo realismo emotivo e la sua capacità di essere straordinariamente leggero, “pop” all’occorrenza. Lì, appartato nel silenzio di quella sorta di Napoli sotterranea in cui medita e crea, mi ha spiegato la sua arte, ed io, con la mia muta e rispettosa ammirazione dell’artista e del suo luogo solenne, ne ho afferrato la preziosa sensibilità. Con questa si è fatto da sé, maturando un percorso di ricerca della forma e poi traendo da essa una sempre più affinata capacità di disincagliare espressioni e messaggi dal marmo, dal bronzo, dalle crete, dalle resine, materiali duri impregnati come spugne di uno spazialismo straordinariamente armonico e di un pregevole descrittivismo. Così l’autore crea figure di un’intensa e struggente vitalità che ne rivelavano l’anima di artista e la matura tecnica di artefice. A precedere ogni sua opera, però, vi è la riflessione. Riflessione a monte della creazione, e creazione per generare riflessione con la spontanea plasticità dei suoi corpi, manifestazione schietta della sua ispirazione e dei grandi temi universali: vita, morte, amore, sofferenza, vigore, bellezza e giovinezza che si fuggono tuttavia. Messaggi di verità e di umanità, in un fecondo dialogo tra corpo e spirito, tra sacro e profano, che lo pongono di diritto fra quegli artisti che sanno cavare dalla materia qualcosa di veramente vivo in quanto espressivo. Il mondo muta rapidamente, viaggiando a velocità spedita verso la digitalizzazione delle arti visive. Le nuove tecnologie permettono di creare quotidianamente, “desacralizzando” la fatica, che è percorso di sofferenza per il conseguimento di una volontà ed elemento per il quale percepiamo la grandezza e l’immortalità dei capolavori del passato consegnati all’umanità. Oggi che l’arte riflette e subisce il cambiamento, poter vedere i lavori di Domenico Sepe raccolti vicini gli uni agli altri è straniante e, al contempo, conciliante con la manualità, la lentezza di esecuzione, la sofferenza, anche se, o forse proprio perché, non c’è più certezza di cosa oggi sia, né che valore abbia, l’Arte stessa.

In questa mia ricerca storiografica e scientifica sulla figura di Domenico Sepe apro il mio saggio dicendo: senza memoria non vi è passato e senza passato non vi è identità. Ogni uomo ha bisogno di conoscere le proprie radici, la propria provenienza, per comprendere fino in fondo se stesso e la società in cui vive, così come ogni popolo per sopravvivere alla modernità, dovrebbe conoscere e valorizzare le proprie tradizioni gli usi e costumi di generazioni antiche che, seppur lontane, continuano a mantenere un’eco di vitale importanza per la sopravvivenza della propria cultura.

Spesso ignoriamo che, proprio nel sapere collettivo dei nostri progenitori, si nascondevano verità incontrovertibili acquisite più che dallo studio, dall’esperienza, e che in alcune di queste possono essere rintracciate oggi basi e fondamenti scientifici allora sconosciuti che ci hanno permesso di sopravvivere e di arrivare fin qui. Certamente il linguaggio scultoreo di Domenico Sepe ci fa toccare con mano i mille volti del Mezzogiorno, una terra che nel tempo è stata arricchita da molteplici culture, araba, egizia, greca, romana, normanna, sveva, angioina, aragonese, spagnola, francese, austriaca etc.. Posso collocare l’opera scultorea di Domenico Sepe tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento dove nacquero le prime scintille del rinnovamento in chiave moderna della scultura del Novecento italiano vadano rintracciate nella produzione plastica di alcuni scultori già attivi nell’ultimo quarto del XIX secolo. Le novità apportate in questo campo da Medardo Rosso e da Leonardo Bistolfi furono fonte di ispirazione per più generazioni di scultori attivi tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento.
Sia Rosso che Bistolfi, infatti, sebbene con risultati diversi, indirizzarono la propria ricerca verso una nuova concezione dello spazio della scultura, dove la figura non fosse più concepita isolata dall’ambiente circostante ma ‘immersa’ in esso e in stretto dialogo con il fruitore. Il primo giunse a questi risultati attraverso un modellato scabro, sensibile agli effetti luministici, in cui la materia, preferibilmente cera o argilla, veniva lavorata con le mani e lasciata allo stato di abbozzo. Il secondo invece puntò a una accentuazione della linea curva di ascendenza liberty, per modellare figure che si inserivano nello spazio attraverso un movimento sinuoso e grande naturalezza. Entrambi gli artisti si mossero sull’onda dell’idea di rinnovamento che caratterizzò le arti europee di fine Ottocento, in aperta polemica con gli stilemi accademici.

In questo contesto la scultura trovò, rispetto alla pittura, più difficoltà nell’attuare questo processo di trasformazione essendo legata, per sua natura, a una materia dura e pesante come il marmo e il bronzo. Per tali motivi Medardo Rosso preferì modellare le sue opere con l’argilla e soprattutto con la cera, materia, quest’ultima, tenera e traslucida, particolarmente adatta a fermare quell’impressione momentanea e fuggevole tipica della sua produzione artistica.
Nelle opere di Rosso il riferimento al dato concreto e la ricerca di realismo si espletano nella fusione della figura con l’atmosfera, attraverso una sorta di abolizione dei contorni. L’autore stesso affermava che: “Nulla è materiale nello spazio. La luce è essenza stessa della nostra esistenza. Noi non siamo che scherzi di luce. La materia non esiste”, per questo motivo le immagini ci appaiono come improvvise e fuggevoli apparizioni ottenute da un modellato sensibile agli effetti luministici. Fu sempre Rosso ad affermare: “quello che importa in arte è far dimenticare la materia”. Nella scultura di Domenico Sepe ci sono forti richiami che vanno da Marino Marini ad Arturo Martini a Medardo Rosso fino a Vincenzo Gemito ed Augusto Perez . Posso dire che è fuor di dubbio opera d’autore, dato che questo termine, dal latino “Augesco” identifica chi, per autenticità creativa, accresce l’umana conoscenza. Nasce dalla ricerca, che è sempre sapere con sapore riconsacra al valore, alla sostanza d’umanità che, in special modo nel nostro tempo sue sculture sono il centro della sua opera, per metterlo in relazione con il mondo. La scultura di Domenico Sepe è formidabile, davvero improbo tenergli il passo da un punto di vista strettamente tecnico-artigianale. Si è formato trovando nell’accademia quel confronto con l’antico, col mestiere dello scolpire così come codificato dal Rinascimento mai dimenticare che la scultura è stata la sua arte primigenia che ha finito per nutrire tutte le altre fino al secolo scorso, con l’idea della centralità del genere umano e della nobiltà della sua forma che un tale magistero intellettualmente sottende, bisogna farlo a un certo punto per sfidare, come in fondo facevano i grandi maestri che non volevano emulare gli antichi, volevano superarli, facendo scaturire da questo intento la modernità nel suo valore più autentico. Modernità che in tempi più recenti ha avuto altre manifestazioni su cui dovrebbe comunque fondarsi il bagaglio dell’artista. Domenico Sepe fortemente classicista nella forma è più sensibile alla levigata scorrevolezza delle superfici, si sviluppa quello diventato più noto, lo scultore titanico che vuole vincere il tempo stabilendo una perfetta equazione fra passato e presente.

Nel viaggio luminoso verso l’anima Domenico Sepe, in virtù del senso del divino che l’umanesimo riconosce nell’uomo, soffia la sua scintilla, il soffio vitale, attraverso la fisicità corporea che si anima in un puro senso della vita. Soffio vitale, il divenire luce e scintilla, da ricercarsi all’interno, nell’anima di ognuno di noi. L’arte della scultura racconta di storie e di pensieri che esulano l’uomo dall’anima la scultura di Sepe diventa corpo e anima.

Materia fisica che si dilata raggiungendo luce e pensiero, ETERE incorporeo che si tramuta in memoria. il corpo investiga nelle sue viscere scavando fino a trovarne il punto del nascere, a trovare memorie lontane, ataviche ricerche di espressioni di anime teatranti, quelle vere impregnate di conoscenza e disciplina, basate sull’essere che vive e dà vita.

Domenico Sepe propone nella sua visione poetica “A regola d’Arte”, un incontro tra materia - scultura e l’anima di ognuno di noi. “Viaggiare dentro” vuol dire ritrovare il proprio vissuto. Raccontare per divenire materia viva, percorso luminoso e liberatorio per la propria anima. La fede, strumento di vita che lega l’anima sottile, si trasforma nelle mani dell’artista Sepe, in materia plasmabile, dotata di vita propria assumendone il ruolo di rappresentante del “Corpo e dell’Anima”. Nella forma primordiale la materia diventa passione e dolore. Nell’intensità dei sentimenti si contrappongono le memorie sopite di un tempo passato, la napoletanità, raccontata dagli squarci temporali delle sue opere.
L’Artista ha in sé il “senso” di una sorprendente manualità creativa, coniugata ad una impronta scultorea identificativa; sintesi perfetta di passione antica dei grandi arti- sti. la sua opera si propone alta e solenne come i grandi Maestri proponevano i capolavori “A regola d’Arte”. Sepe racconta la memoria storica di quella Napoli fatta di riti che, donano attraverso il piacere di guardare e guardarsi, forme e concetti; che si impregnano di significati creando ponti di contemporaneità. Sepe da volto alla storia della drammaturgia di cui Napoli ne è intrisa, che è vita, che è l’Arte dei tanti vicoli, dei tanti volti vissuti ma che trasudano del senso vero della vita. La vita OLTRE, oltre il guardare e stupirsi, oltre la perfezione, oltre il pensiero, oltre quel vivere dove i cinque elementi non sono altro che Napoli … acqua, aria, terra, fuoco, creazione sublime di un popolo e di una memoria sempre contemporanea. Domenico Sepe costruisce un ponte di raccordo tra il suo percorso fin qui e il dialogo con le nuove opere. la materia diventa gesto istintivo e liberatorio, per sottolineare la leggerezza del non finito ricercato. Gioco e creazione che attraverso la luce assume nuove forme contemporanee ma, pregne di quell’eterno dire e fare. La luce ricama e trama quel filo sottile che unisce corpo e anima, essere e vivere, STARE. Lo stare che è vita vissuta, la drammaturgia dell’essere che da anima e corpo al proprio senso della vita. L’arte del plasmare esaltandone forme e materiali, affermano nelle opere di Sepe una mirabile misura tra concettuale ed espressionismo, dove i volumi ne delimitano l’ESSENZA. L’espressione del proprio vissuto, il raccontare una visione dell’umanità spirituale, crea un connubio che va oltre il trascendentale; ed è un mezzo per avvicinarsi il più possibile ad esso. Le anime nascoste nei materiali preziosi come il bronzo ma, anche fugaci, che non lasciano a volte traccia, come la cera persa, sono lì pronte per essere svelate alla sensibilità dell’osservatore. Il dualismo di sguardi, la contrapposizione con gli occhi dell’uomo/artista, sono la dimostrazione che l’arte è parte dell’uomo, mentre è negli occhi di chi guarda il vero e unico significato che l’opera stessa assume e comunica. La Madre i figli, la preghiera fatta di sguardi; non solo di parole, il velo sottile che cattura e ne distribuisce la luce, la taglia, la spalma e ne crea i volumi. Solo allora il vero senso dell’arte si compie, sublimando l’opera a futura memoria.

Affonda le sue radici artistiche nella vastità dell’immenso patrimonio culturale, filosofico e architettonico della Magna Grecia l’opera di Domenico Sepe, che respira l’estasi del trasporto emotivo, la plasticità e soprattutto, cosa ancora più rara ai nostri giorni, la grandeur della dimensione artistica della sua opera.
Testimone di un concetto universale di bellezza, ne esprime attraverso diverse materie prime una forma figurativa a-temporale quasi sempre a suffragio di un classicismo religioso mai recondito o nascosto, bensì magnificente per linguaggio e plasticità.
Sono questi gli elementi che consacrano Domenico Sepe un artista per i nostri tempi cosi privi di tecnica-arte, un emissario assoluto del neoclassicismo, ove la conoscenza rarefatta di metodo, principii, geometrie e materia lo collocano di fatto nell’olimpo degli scultori neoclassici europei. Opere come templi, templi come rifugi da un dissacrante concettualismo del nostro tempo ove l’uomo non celebra più la bellezza, la vita, ma la noia, la morte. A questo Domenico Sepe reagisce con una energia propulsiva liberata dalle sue opere grandi che incarnano il pensiero positivo di “sofia”. Opere che domano materie prime dal marmo al bronzo, dal bronzo alle crete, fino alle resine e in ognuno vibrano di un dinamicità e uno spazialismo armonico e strutturato rispettando i quattro elementi fondamentali.
E’ naturale quindi nel visitare la sua opera astrarsi dal tempo e compiere un viaggio di secoli e millenni che dalla Napoli sotterranea, dove vive e lavora, arriva alla Magna Grecia, Siracusa fino alla costa ionica per riemergere dalle coste dell’Egeo parlando a un novello Nessuno.
Nessuno dei nostri giorni è un ignaro visitatore che davanti all’opera di Sepe può ancora naufragar senza meta.
Al contempo però davanti al suo Cristo aperto, con le braccia aperte al mondo, il visitatore può ritrovare un equilibrio perfetto in armonia tra il cielo e il creato, un’ascesi tra arte e spirito praticata da Domenico Sepe perfettamente cristocentrica.
Domenico Sepe per la vastità della sua opera e della sua ricerca sarà presente con una sua personale a Matera con diverse sue opere dai bronzi, ai marmi, alle resine mostrando il prezioso lavoro di ricerca della forma nelle materie prime da lui esercitato.
L’artista napoletano omaggia Matera Capitale della Cultura Europea 2019 con un’opera straordinaria “il Cristo a braccia aperte” come simbolo salvifico dell’uomo occidentale che dal sud al cuore della grande madre Europa pontifica l’uomo per l’Uomo.

Delle sculture di Domenico Sepe vorrei prima di ogni altra cosa evidenziare la singolare e ormai rara rifinitura. In un tempo in cui tutto tende al sempre più effimero, caducità e indecisione sembrano fattori predominanti, nel quale spesso un ferro ossidato o un cumulo di rifiuti possono fare scultura, Sepe con caparbietà presenta opere nelle quali il modellato plastico non è truccato, dove ogni massa ha un senso e una sua ragione.

Le sue opere nascono prevalentemente dallo studio delle forme della natura e, soprattutto, del corpo umano. In esse è peculiare l’ispirazione all’arte dell’antica Grecia, che rappresenta il punto di partenza per conseguire un’espressività autonoma, che non scade mai nel didascalico e nell’ovvio. Si veda, per esempio, il San Giorgio Martire; sarebbe errato leggere quest’opera come un semplice “ritorno” al classico. Infatti, se è inconfutabile il fascino esercitato su Sepe dalla grande scultura del passato, è altresì presente un interesse compiutamente contemporaneo verso le condizioni emozionali e la rappresentazione degli stati dell’animo dell’uomo del nostro tempo. L’artista modella figure, nudi perfetti, al punto da evocare vertiginose profondità classiche e sensibilità rinascimentali, ma alla concezione eroica ed olimpica dei corpi associa l’esplorazione delle condizioni esistenziali, l’indagine delle emozioni, l’attenzione alle interiorità psichiche. Nascono così sculture di superba maestria tecnica specchio di una condizione umana in equilibrio precario fra azione e inerzia, pensiero e distacco, colti nell’attimo della “concentrazione”, dell’ “ascolto”, della “disperazione”.

Sono figure bloccate nella materia nei momenti della loro solitudine o, più semplicemente, sorprese nell’intimità del riposo come in Risveglio.

Inoltre Sepe giunge ad esiti di straordinario realismo psicologico quando è chiamato a cimentarsi nella ritrattistica, si vedano il Giovanni Paolo II, il Don Giustino M. Russolillo, il Dante Alighieri, etc. In questo caso si sofferma su particolari di grande realismo nella resa del volto, del corpo, dei muscoli e , nel contempo, raggiunge una straordinaria penetrazione psicologica del personaggio.

Le sue sculture sia che trattino temi laici o sacri hanno la forza di stabilire un immediato rapporto intimo con lo spettatore, che osservandole cerca di penetrare il mistero e goderne l’armonia, quasi a rivivere le emozioni inafferrabili dell’artista che le ha plasmate.

Il messaggio è chiaro. L’artista non cerca facili consensi e non vuole assolutamente meravigliare l’osservatore. Domenico Sepe è se stesso: spontaneo; vuole toccare non solo la mente ma soprattutto l’anima di chi osserva.

L’artista Domenico Sepe ha saputo unire i diversi linguaggi artistici realizzando opere davvero sorprendenti, sia dal punto di vista tecnico, sia per le loro capacità di suscitare emozioni. Nelle sue sculture realtà e emozioni si fondono, le figure appaiono come meravigliose in quanto sembrano vere… realmente vive. Tra le sue opere più emergenti spicca il Cristo, che mostra uno dei caratteri fondamentali dello stile dello scultore: il realismo. Si osserva come l’artista Sepe ha scolpito il corpo ormai senza vita di Cristo, obbedendo ad un’intima vocazione religiosa e ai sentimenti, con tecnica e abilità straordinarie rendendolo con grande pathos. La storia artistica parte dagli anni di formazione presso la propria bottega, dove egli ha realizzato le sue prime sculture, quali statue, monumenti commemorativi-funebri e busti-ritratti, esprimendo l’essenza e l’anima dell’artista che in essi effonde e risplende. Sepe realizza le sue opere lavorando l’argilla e fissando  con la fusione nel bronzo i volti contratti dalla tensione e concentrati nell’azione. Opere come la Vittoria Alata, svelano il suo spirito innovatore, attento alla raffigurazione dell’azione e dei sentimenti, ricordando le figure delle Nikai della scultura greca ellenistica. L’artista ha fatto dello studio della figura umana e della ricerca anatomica la sua ossessione, facendo risorgere i corpi attraverso le sue opere. Tale adorazione mistica dell’uomo è più volte esaltato come affermazione di una diretta continuità fra passato e presente al fine di rinnovare la grandezza dell’età classica. Sepe, essendo una personalità vigorosa, finisce per reagire con violenza ai modelli classici con un gioco di luci e ombre, passione e una velata sensualità. Le sue opere rappresentano l’anima imprigionata nella materia che attende la sua liberazione. Nelle sculture appare evidente il tipico atteggiamento morale dell’artista, una pensosità nutrita di riflessione, una tristezza pervasa di sgomento, ossessionata dallo scorrere del tempo, dall’idea di morte combattuta da una lotta interiore verso l’eterno…Sepe un artista straordinario che crea dall’argilla al bronzo, dal modello all’eternità.